Diventare attori non significa sentirsi dire “bravo”: dentro il modello “Scuola-compagnia” di AED

Al Dipartimento di Recitazione dell’Accademia Europea di Danza la formazione incontra il lavoro della compagnia: 720 ore tra Scuola, Mestiere e Produzione, per imparare la recitazione confrontandosi fin dall’inizio con la realtà del teatro.

Che cosa significa davvero prepararsi a diventare attori?

È una domanda dalla quale eravamo già partiti lo scorso agosto nel nostro articolo “Diventare attori tra scuola e mestiere: a Roma il Biennio di Alta Formazione 2026/2027”, dedicato al percorso del Dipartimento di Recitazione dell’Accademia Europea di Danza di Roma: un Biennio di 720 ore che prova ad avvicinare progressivamente la formazione alla realtà professionale attraverso il modello della “Scuola-compagnia”.

Allora avevamo raccontato la struttura del Biennio, il rapporto con la Compagnia Ariadne – Teatro “A” e un percorso nel quale Scuola, Mestiere e Produzione diventano parti di una stessa formazione.

Questa volta abbiamo voluto andare oltre il programma e porre una domanda diversa: che cosa significa formare davvero un attore?

Perché tra imparare a recitare e comprendere che cosa significhi fare dell’attore il proprio mestiere esiste una distanza che non si misura soltanto attraverso la tecnica.

Ci sono la disciplina e la fatica. Ci sono il palcoscenico e la paura di affrontarlo. Ci sono le prove, il lavoro con gli altri, le audizioni, i giudizi e i rifiuti. E c’è soprattutto la necessità di conoscere se stessi, perché, come emerge dalle risposte che abbiamo ricevuto, nel mestiere dell’attore interprete e strumento finiscono per coincidere.

Ne abbiamo parlato con Valeria Freiberg, regista e direttrice del Dipartimento di Recitazione dell’Accademia Europea di Danza, approfondendo con lei il significato del modello “Scuola-compagnia”, il rapporto tra formazione e professione e ciò che un giovane dovrebbe chiedere prima di tutto a se stesso quando decide di intraprendere questo mestiere.

Partiamo proprio dalla definizione che avete scelto: che cosa significa, concretamente, essere una “Scuola-compagnia” e in che cosa questo modello si differenzia da quello di una tradizionale scuola di recitazione?

L’idea di “Scuola-compagnia” parte, in realtà, da qualcosa di molto antico. Prima che esistessero le scuole di recitazione così come le intendiamo oggi, i giovani attori si formavano direttamente all’interno delle compagnie: la formazione era quindi, prima di tutto, un orientamento concreto al lavoro.

Per me questo è un punto decisivo. Un percorso di formazione professionale deve avere un orizzonte preciso. Se manca la percezione concreta del mestiere verso cui ci si sta dirigendo, anche il lavoro tecnico rischia di perdere necessità e senso. Si può studiare molto, affinare delle capacità, ma occorre sapere a quale pratica artistica e professionale tutto questo deve condurre.

In questo senso l’esperienza del Primo Studio di Stanislavskij è per me un riferimento importante, perché tiene insieme due esigenze solo apparentemente opposte: da una parte la necessità di imparare attraverso l’esperienza concreta, dall’altra il bisogno di un luogo protetto, una serra, in cui l’attore possa crescere, cercare, fallire, rimettere in discussione ciò che fa, senza essere immediatamente sottoposto alle logiche produttive.

È questa l’idea che sta alla base del Dipartimento: costruire un ambiente professionale. Un giovane attore deve imparare a recitare e, nello stesso tempo, comprendere che cosa significhi stare dentro un processo teatrale.

Per questo parliamo di “Scuola-compagnia”. La scuola resta un luogo di ricerca, di crescita e di formazione; la compagnia offre il contesto concreto entro cui quella formazione può trovare direzione, necessità e prospettiva.

Formazione e professione, nel vostro percorso, sembrano procedere parallelamente. In quale momento l’allievo smette di essere soltanto uno studente e comincia a confrontarsi realmente con le dinamiche di una compagnia teatrale?

In questo mestiere nessuno smette mai davvero di essere uno studente. Paul Newman, Dustin Hoffman, Al Pacino, Robert De Niro continuavano a tornare nei luoghi di studio e di ricerca dell’attore anche quando erano già professionisti affermati. Perché non esiste un punto d’arrivo: puoi vincere un Oscar e il giorno dopo avere ancora qualcosa da capire sul tuo strumento.

L’attore è un po’ come un pattinatore sul ghiaccio: il ghiaccio cambia continuamente, e anche tu cambi con lui.

Quanto al rapporto con la professione, comincia quasi subito. La recitazione è un mestiere che passa, in larga parte, dalle mani dell’insegnante a quelle dell’allievo. È un mestiere che, in senso stretto, non si può insegnare: si può imparare. E si impara facendo.

Per questo il tirocinio è fondamentale. I ragazzi entrano molto presto dentro il lavoro reale della compagnia: osservano le prove, seguono gli allestimenti, assistono, collaborano, imparano come funziona una produzione e quali responsabilità comporta.

Un attore deve sapere che cosa succede intorno a lui: come lavora una luce, come cambia uno spazio, come interviene una scenografia, quali sono i tempi tecnici, che cosa accade prima e dopo il suo ingresso in scena. Tutto questo fa parte del mestiere e incide direttamente sul suo lavoro creativo.

Per questo il passaggio dalla formazione alla professione, nel nostro caso, non è un salto improvviso. È un ingresso progressivo dentro la realtà del teatro.

Il passaggio dall’aula al palcoscenico può rappresentare uno dei momenti più delicati per un giovane attore. Quanto è importante, secondo voi, che questo confronto avvenga già durante il percorso formativo?

È importante perché i tempi della produzione professionale raramente consentono una vera ricerca interiore dell’attore. Durante la formazione, invece, c’è il tempo per fermarsi e capire come si costruisce il proprio rapporto con la prova e con il palcoscenico.

Il modello Scuola-compagnia permette questo passaggio graduale. E poi c’è la paura della scena: fa parte del mestiere. Come diceva Brodskij, le incertezze sono i ferri del mestiere. Un giovane attore deve imparare presto a riconoscerle e a conviverci.

Che tipo di preparazione propone il Biennio del Dipartimento di Recitazione? Quali discipline e quali esperienze considerate indispensabili oggi per formare un attore capace di affrontare il mondo professionale?

Il Biennio prevede 720 ore di lavoro e si costruisce su tre assi: Scuola, Mestiere, Produzione.

Abbiamo scelto di non moltiplicare le materie. Oggi molte scuole presentano programmi molto estesi; noi preferiamo concentrarci su ciò che serve realmente all’attore: recitazione, parlar scenico, movimento scenico, danza classica e contemporanea, cultura teatrale.

La Scuola dà metodo, disciplina e strumenti. Il Mestiere mette l’allievo a contatto con il lavoro concreto dell’attore: tirocinio, prove, rapporto con il regista, con il gruppo, con lo spazio scenico. La Produzione porta tutto questo dentro un processo reale, fino al confronto con lo spettacolo e con il pubblico.

Le 720 ore servono proprio a questo: dare tempo al lavoro, alla ripetizione, alla ricerca e alla costruzione di un’autonomia professionale.

Recitare non significa soltanto acquisire una tecnica, ma anche sviluppare una propria identità artistica. Quanto spazio lasciate alla personalità e alla ricerca individuale dell’allievo?

Stanislavskij diceva: «Scopri te stesso e scoprirai il mondo». Il mestiere dell’attore è forse uno dei più difficili che esistano, perché l’attore e il suo strumento coincidono.

Un pittore può fare due passi indietro e guardare ciò che ha fatto. Un musicista affida il proprio lavoro anche a uno strumento esterno. L’attore, invece, dispone soltanto di se stesso e deve imparare a percepire dall’interno il risultato del proprio lavoro.

Per questo la personalità è decisiva. La grandezza di un attore è proporzionale alla profondità, alla ricchezza e alla consapevolezza della propria persona.

Una scuola autentica crea lo spazio in cui questo lavoro può cominciare. E io spero che il Dipartimento di Recitazione dell’Accademia possa essere proprio questo: un luogo che offre il tempo, gli strumenti e le condizioni necessarie perché un giovane attore possa iniziare davvero a conoscere se stesso e, attraverso questa conoscenza, costruire la propria identità artistica.

Il lavoro all’interno di una compagnia richiede ascolto, disciplina, capacità di confrontarsi e di costruire insieme agli altri. Come si impara questa dimensione collettiva del mestiere?

Oggi siamo molto più abituati a pensarci come liberi professionisti che come parte di un gruppo capace di condividere un obiettivo comune. E questo, nel teatro, è un problema.

La capacità di ascoltare, di assistere al lavoro degli altri, di condividere tempo, attenzione e responsabilità nasce anche da una forma di generosità. E la generosità, in parte, è un talento umano.

Il talento non si insegna.

Si può affinare, si può educare, si possono fare scoperte su di sé. Poi ciascuno decide se riconoscersi in una compagnia e in un lavoro comune, oppure se prevale una dimensione più individualista del mestiere.

La Compagnia Ariadne – Teatro A che ruolo assume all’interno del percorso? Gli allievi hanno la possibilità di partecipare a produzioni e confrontarsi con tutte le fasi che portano alla realizzazione di uno spettacolo?

La Compagnia Ariadne – Teatro “A” rappresenta, all’interno del percorso, una possibilità concreta di continuità tra formazione e professione. Un lavoro nato nella scuola può proseguire il proprio cammino o anche diventare parte viva del repertorio.

È accaduto, per esempio, con Seymour Glass, liberamente tratto dalle opere di Salinger: nato come spettacolo finale del corso “Aldo Ninchi”, è entrato successivamente nel repertorio della Compagnia.

Per me questo è un passaggio essenziale. Uno spettacolo nato in un contesto formativo, quando raggiunge una propria necessità artistica, deve poter continuare a vivere.

Uno degli aspetti più complessi della formazione artistica è preparare gli studenti anche alla realtà che incontreranno una volta terminati gli studi. Come affrontate il rapporto con audizioni, provini, selezioni e, inevitabilmente, anche con i rifiuti che fanno parte di questa professione?

Il rifiuto e il giudizio degli altri fanno parte della professione. Chi non è disposto a uscire dalla propria zona di comfort difficilmente può pensare di affrontare seriamente questo mestiere.

Per il resto, se dopo un’Accademia non sei in grado di prepararti a un provino, forse dovresti chiedere il rimborso! Naturalmente scherzo, ma fino a un certo punto.

Tutto il percorso pedagogico del Dipartimento è pensato per rendere i giovani attori progressivamente più autonomi e per offrire loro il maggior numero possibile di strumenti con cui affrontare il lavoro.

L’obiettivo è che, alla fine del percorso, possano muoversi con consapevolezza ed essere realmente competitivi nel mondo professionale.

Il teatro e il mondo dell’audiovisivo stanno cambiando rapidamente. È cambiato, di conseguenza, anche il modo in cui si deve formare un giovane attore? E quali competenze ritenete oggi particolarmente importanti?

Mejerchol’d diceva che la scuola non deve insegnare le innovazioni: deve insegnare la tradizione. È un principio che sento molto vicino.

È vero: cambiano i linguaggi, cambiano i mezzi, cambiano le forme di produzione. L’essere umano, però, non cambia con la stessa velocità della tecnologia. In termini evolutivi, siamo molto più vicini ai nostri antenati di quanto il progresso tecnico possa farci credere: cambiano gli strumenti, molto meno rapidamente cambiano i meccanismi profondi della percezione, dell’emozione, della relazione.

Per questo credo che la formazione dell’attore debba partire da ciò che resta essenziale: emozioni, fantasia, curiosità verso l’altro. Quando sai “cosa”, il “come” si impara molto più facilmente.

C’è un errore o un pregiudizio che incontrate spesso nei ragazzi che arrivano da voi con il desiderio di diventare attori e che il percorso di formazione contribuisce a mettere in discussione?

Molti arrivano con l’idea di voler “fare l’attore”, senza sapere davvero che mestiere sia. La sfida è proprio questa: far conoscere la realtà del lavoro, la disciplina, la fatica, la continuità che richiede, senza spegnere quella curiosità iniziale che li ha portati verso la recitazione.

Al termine del Biennio, quale crescita vorreste riconoscere in un vostro allievo, non soltanto dal punto di vista tecnico ma anche nella sua consapevolezza di artista e professionista?

Vorrei riconoscere soprattutto un’autonomia maggiore. Un attore che sappia lavorare, osservare, porsi domande, cercare soluzioni e assumersi la responsabilità delle proprie scelte.

Dal punto di vista artistico, vorrei che avesse cominciato a capire chi è, quali sono le proprie qualità, i propri limiti, la propria sensibilità. Dal punto di vista professionale, che sapesse orientarsi nel mestiere con coraggio e curiosità.

Le iscrizioni al Biennio stanno per chiudersi. A un ragazzo o a una ragazza che desidera intraprendere questo percorso ma è ancora indeciso, che cosa consigliereste di chiedere prima di tutto a se stesso prima di scegliere una formazione professionale nella recitazione?

Gli direi di chiedersi una cosa molto semplice: voglio fare questo mestiere perché ho bisogno di sentirmi dire “bravo”, oppure perché sento di non poter fare a meno di attraversare questa esperienza per me stesso?

La differenza è enorme. Ed è da lì che, secondo me, dovrebbe cominciare una scelta seria.

Ringraziamo Valeria Freiberg e il Dipartimento di Recitazione dell’Accademia Europea di Danza, insieme a Francesca Parlapiano per il coordinamento, per la disponibilità e per averci consentito di realizzare questa intervista in tempi particolarmente brevi.